Mi punto de partida para este proyecto va a ser el mismo que elegí en proyectos I, y es mi casa. Es mi punto cero porque tengo mi estudio en ella, trabajo y vivo aqui y me costo un gran esfuerzo tanto encontrarla como adaptarla. Por otro lado la he utilizado en otros proyectos como en el de Taller de fotografía e imagen por sus características especiales, antes de vivir en ella era una asociación cultural abandonada y así seguía en la localización de google maps, por lo que me apropie de ella para hacer una «Expo» online. Pero a diferencia de esta entrega quiero que el proyecto se desarrolle fuera de la casa, en el espacio público, haciendo derivas a lo situacionista desde ella o utilizando su fachada  para realizar algún tipo de intervención, aún no lo tengo claro, pero de manera literal y también simbólica me gustaría romper con la idea de público/privado y también cuestionar lo que se considera arte y lo que no.

Dándole una vuelta a todo esto he creado un Instagram que he llamado «Podría ser arte» en el que apropiándome de la idea del ready made, capturo objetos, bodegones o acciones que me recuerdan a alguna instalación/acción o situación relacionada con el  arte contemporáneo.

FASE 1: Remontar el río como un salmón

Ficha básica del proyecto:

Título del proyecto: Condensation Cube

Artista: Hans Haacke

Año de realización: 1963-1965

Medio o formato: Instalación interactiva

Dimensiones: Aproximadamente 30 cm x 30 cm x 30 cm

Materiales: Plexiglás transparente, agua

Características técnicas: El cubo de plexiglás cerrado contiene una pequeña cantidad de agua que se evapora y condensa en las paredes del cubo debido a los cambios en la temperatura y la humedad del entorno en el que se instala. La obra es un sistema autosuficiente que varía constantemente según el ambiente.

Descripción del proyecto:

Condensation Cube de Hans Haacke (1963-1965) es una obra minimalista diseñada para ser exhibida en un interior donde se ubica un cubo de plexiglás transparente sellado herméticamente con una cantidad residual de agua. Con el tiempo, el agua en el cubo se evapora y por dentro de la estructura se condensa y se forma un ciclo de evaporación y condensación. Esto se debe a las variaciones en el medio ambiente en el que es colocado, lo cual hace que la obra esté en un proceso activo de cambio en el entorno en el cual se ha exhibido.

La obra muestra una relación de los fenómenos naturales con el espacio de exposición y propone al espectador pensar en ciclos naturales ocultos. Condensation Cube es una representación viva de los procesos climáticos y, a su vez, un desafío a las nociones tradicionales de la obra de arte como un objeto estático e inmutable. Es una obra que convierte el espacio expositivo en un conjunto de relaciones entre la naturaleza y el arte.

¿Qué es lo que afecta al artista?

Hans Haacke fue muy influenciado por su interés por los sistemas naturales y sus mecanismos ocultos que se dan en el mundo. Durante la década de 1960 el arte adquiere propuestas minimalistas y conceptuales, y en esa propuesta el inicio de crear sistemas capaces de desenvolverse en el entorno, independientes en su producción. Para Haacke, la idea de que una obra de arte pudiera estar viva y en constante transformación era revolucionaria, en contraposición a la idea tradicional de una obra de arte estática y definitiva.

Antes de que Haacke creará Condensation Cube, él ya estaba interesado en investigar los fenómenos naturales, y en cómo podían ser representados dentro de un marco artístico. Un cubo sellado de cristal se convirtió en la herramienta perfecta de envasado para capturar con precisión los ciclos de evaporación y condensación, haciendo que el contexto exterior (temperatura y humedad) afectará la obra. Lo que para Haacke el arte no solo debía ser visto sino que debía ser sentido como una repetición constante. Este sistema cerrado refleja su fascinación por la autorregulación de los ecosistemas y por cómo los factores externos (como el clima) pueden afectar el comportamiento de un sistema supuestamente aislado.

¿Qué afectó al artista?

Condensation Cube de Haacke tuvo un efecto en la forma en cómo se concebía el arte en los museos y galerías. Su obra iba directamente en contra de lo que debería ser una obra de arte, por llevar un sistema en movimiento que cambia según el tiempo y espacio. Haacke transformó no solo el área donde se presentaba la obra, sino también la conciencia de lo que veían y pensaban los espectadores y críticos.

El intercambio entre el cubo y el contexto hace que el espacio de exhibición sea un participante activo en el trabajo. El cubo no puede existir sin su entorno; la temperatura y la humedad dentro del lugar condensa agua dentro del cubo. Esto es lo que hace esta especie de diálogo constante entre el arte y el contexto y la obra se convierte en una representación de la naturaleza en un territorio finito y seleccionado del arte.

Por lo tanto, en un nivel conceptual, Haacke influyó en las discursivas acerca del rol del arte en la sociedad, ofreciendo una obra sin finalización ni una apariencia fija. Cada vez que se exhibe, Condensation Cube se transforma, lo que plantea preguntas sobre la permanencia, lo que genera cuestiones sobre la duración, la capacidad del arte para capturar procesos naturales. Asimismo, la obra también influyó en el movimiento minimalista, lo cual presentó una propuesta dinámica que se desviaba de la geometría pura estática y se incluye un ciclo vital.

Condensation Cube Acciones necesarias para Condensation Cube (en orden cronológico):

Concepción de la idea (1-2 semanas): Haacke define su enfoque en sistemas cerrados y procesos naturales como la evaporación y condensación.

Investigación de materiales (2 semanas): Selección de plexiglás como material adecuado y determinación de la cantidad de agua para el ciclo.

Diseño y bocetos (1 semana): Creación de planos y especificaciones para el cubo hermético.

Obtención de materiales (1 semana): Pedido de plexiglás y agua.

Construcción del cubo (1-2 semanas): Ensamblaje del cubo y pruebas de sellado.

Pruebas ambientales (1 semana): Evaluación del ciclo de condensación bajo diferentes condiciones.

Ajustes finales (1 semana): Ajustes al agua y verificaciones.

Instalación (1-2 semanas): Transporte e instalación en la galería, asegurando condiciones óptimas.

Documentación: Registro fotográfico y de vídeo del proceso y de la obra en la exhibición.

Mantenimiento: Monitoreo de la obra durante la exposición para asegurar su funcionamiento.

Inventario de necesidades técnicas, equipos, recursos y coste aproximado para Condensation Cube:

Materiales: Plexiglás (300€-500€), agua (10€).

Herramientas: Cortadora de plexiglás (100€-200€), adhesivo especial (30€-50€).

Documentación: Bocetos y planos (100€), permisos (100€-200€).

Recursos: Documentación fotográfica y videográfica (200€-500€), transporte (200€-300€).

Instalación: Supervisión y montaje (100€).

Coste total estimado: 1.040€.

Resultado:

El proyecto de Hans Haacke llamado Condensation Cube cambia radicalmente su contexto de visualización, convirtiéndose en un organismo que encarna procesos naturales desconocidos. Como es un sistema cerrado en el que se produce la evaporación y la condensación del agua, la obra activa la percepción del espectador sobre el ciclo del agua y los fenómenos ambientales que normalmente pasan desapercibidos. Esta interacción constante entre el cubo y su entorno desafía la idea tradicional de una obra de arte estática, creando un diálogo entre el arte y la naturaleza.

Cada vez que se instala, la temperatura y la humedad del espacio son diferentes, lo que hace que cada experiencia de los espectadores sea diferente. La obra se transforma en una entidad que observa su entorno y en cómo dicho entorno afecta la dinámica de la obra. La obra les permite a los visitantes pensar en las implicaciones que tiene su entorno físico en sus propias vidas, al mismo tiempo fomenta un criterio sobre arte, naturaleza y contexto social.

Condensation Cube remueve el espacio de exposición tradicional con el concepto de cambio y temporalidad.  El espectador no solo observa una pieza de arte, sino que se convierte en parte de un proceso continuo. Mientras se interactúa con el entorno, la obra resalta el vínculo entre el arte y los ciclos cíclicos, lo visible y lo invisible, presente en cuanto a la forma de abordar tanto el arte como el volumen que lo aloja.

Hola!

Soy Andrés, hace un par de meses cumplí 26 años, y la verdad es que desde hace dos años, no he podido dejar de mirar las obras minimalistas de Agnes Martin. Parecen una tontería, algo ridículo, como si fuera una mofa, podría considerarse un delito, pero me encanta, es algo obsesivo, constante, apasionado, me fascina. Agnes es una artista considerada tradicionalmente espiritual del expresionismo abstracto. Su serigrafía de 1973 de 30 x 30 cm, es lo que realmente me hizo cambiar mucho el pensamiento, digamos que fue una expansión, algo totalmente fuera de lo común. Y repito, es una auténtica tontería, pero después de eso, aunque ya sentía cierta atracción hacia el minimalismo más radical, creo que esto es otra cosa. No se trata de explicar lo que quieres hacer o transmitir, sino, que es un concepto que se debe sentir, no es como «esto es así porque es la historia de un libro que leí, en el día 5.000 antes de cristo y es un reflejo…» No. No va de eso. Va de tener algo más que simplemente se entiende desde su esencia más pura, y no necesitas todo el relleno de más, solo lo esencial.

«On a Clear Day», es una simplificación de las cosas más sutiles, como la búsqueda de la perfección en la simplificación más estricta posible, al principio esto me recordaba a los días en blanco del calendario, como si fueran días libres para hacer lo que te da la gana. Surge una relación entre el orden y el caos, parece que hay un esfuerzo o intención en contener a través de la precisión todo ese caos que solemos tener en nuestro entorno. El vacío y su significado, al estar en blanco, transmite que hay un espacio sin retenciones, solo calma; esto era algo que ella buscaba en su máxima esencia.

Ese minimalismo, se está convirtiendo en mi modo de vida, al menos de lunes a viernes, el fin de semana es otra historia.

«On a Clear Day» 1973. Agnes Martin.

https://www.moma.org/artists/3787

Hola a todos.

Soy Jon y estoy encantado de volver a ser un estudiante, aprovecho este post para poner sobre la mesa algo sobre lo que llevo trabajando algún tiempo.

En este proyecto se juntan dos cosas en las que tengo bastante interés, la escultura digital y la cultura popular, en concreto los wargames.